TEST Palinsesti - Contemporary Italian Art On-line Journal
Palinsesti (e-ISSN 2279-7882) è una rivista accademica on-line e peer-reviewed dedicata agli studi storici sull’arte italiana dal 1960 a oggi. La rivista ospita contributi storico-artistici di autrici e autori internazionali, incoraggiando l'innovazione metodologica, l’approccio interdisciplinare e le incursioni in nuovi campi di ricerca.
Photography between Desire and Disillusionment. West African Studio Portraiture, Diaspora, and Italy in the Work of Silvia Rosi
L’articolo esamina la produzione artistica di Silvia Rosi prendendo in considerazione alcune delle sue tematiche, come i ricordi famigliari trans-generazionali, la vita diasporica e trans-nazionale, la razzializzazione dello sguardo e della rappresentazione visiva. In particolare, è la fotografia di Rosi – tramite la quale l’artista rende visibile una rappresentazione dei soggetti neri in Italia – a costituire il suo atto di realizzazione dei desideri. Essa si concentra sull’importanza della rappresentazione visiva e della sua politica culturale in relazione alla costruzione (e, potenzialmente, al cambiamento) dell’identità e dell’appartenenza nazionale.
Copyright (c) 2025 Tenley Bick https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Introduzione al fascicolo “Italianicity is not Italy”. Questioning Contemporary Italian Art History.
Crisis, Deceleration, and the Visual Poetics of Refusal. Raphaël Cuomo and Maria Iorio’s “Sudeuropa” (2005–7)
Al giorno d’oggi, il fotogiornalismo e l’arte contemporanea rischiano di spettacolarizzare la migrazione nel Mediterraneo nei termini di una crisi e di ribadire così il controllo securitario sui corpi dei migranti. L’archivio visivo della ‘migrazione mediterranea come crisi’ andrebbe quindi concepito non come una semplice raccolta di rappresentazioni di attraversamenti di confini, ma anche come un luogo materiale per la (ri)produzione dei confini stessi. In questa prospettiva, il presente articolo esplorerà un modello alternativo: l’uso della tecnica del rallentamento nei video come forza contraria all’immaginario della crisi frontaliera e, nello specifico, il film sperimentale di Raphaël Cuomo e Maria Iorio intitolato Sudeuropa (2005-2007).
Copyright (c) 2025 Rhiannon Welch https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Francesco Spampinato, GMM: Giovanotti Mondani Meccanici: Computer Comics 1984-1987 (Milano, Nero editions, 2021)
Recensione del libro di Francesco Spampinato, GMM: Giovanotti Mondani Meccanici: Computer Comics 1984-1987 (Milano: Nero editions, 2021).
Copyright (c) 2023 Jennifer Malvezzi https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
La “pillola anti-concettuale” e un romanzo di Emilio Tadini del 1980
È il 20 settembre 1980 quando Giulio Einaudi fa uscire al numero 283 della collana Nuovi Coralli L’opera, secondo romanzo scritto da Emilio Tadini. Scritto su commissione, per un'altra collana di gialli, il romanzo cambiò di destinazione editoriale, restando ancorato all'idea di trattare del mondo dell'arte. Pur vestendo i panni del romanziere, Tadini svolse qui un ruolo ancora critico, specie nei confronti di alcuni fenomeni dell'arte coeva; intento che si spiega alla luce delle riflessioni vergate dall’artista stesso a introduzione di alcune sue mostre personali tenutesi fra 1976 e 1978, oltre a una serie di grandi quadri “a tesi”, che inevitabilmente fanno corto circuito con il racconto intessuto nel romanzo L’opera.
Copyright (c) 2023 Luca Pietro Nicoletti https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Astrazione Povera: un’alternativa nella Roma degli anni ottanta
Gli Epigrammatici, i Bianchi e neri, i pittori dell’Astrazione Povera: questi i nomi con cui vennero indicati alcuni artisti operanti nella Roma del riflusso postmoderno. Uniti nel perseguire una linea di ricerca astratta mediante una pittura essenziale, in bianco e nero, definita “monacale” nella sua povertà, questa piccola schiera di artisti tentò la via utopistica della rifondazione di un nuovo linguaggio. Nel più generale fenomeno di ritorno ai media tradizionali, specialmente a Roma, il gruppo rappresentò una voce alternativa che questo articolo riesamina dalla sua genesi alla sua ricezione critica.
Copyright (c) 2023 Magalì Cappellaro https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Il peso di Una diversa tradizione. Corrado Levi nella Milano degli anni ottanta
Nel 1985 viene pubblicato il volume Una diversa tradizione, raccolta delle dispense utilizzate da Corrado Levi negli anni 1980-1981 nel Corso di Composizione Architettonica tenuto al Politecnico di Milano. Una diversa tradizione riunisce dieci scritti dedicati ognuno a differenti personalità riconducibili a questa linea culturale che ha “i fondamenti nello scherzo, nel paradosso, nell’esatto non senso e lontano dalle passioni”: Carla Accardi, Franco Albini, Alighiero e Boetti, Lewis Carrol, Otto Dix, Maurits Cornelis Escher, Alfred Jarry, Fernando Pessoa, Filippo De Pisis, Raymond Roussel, Erik Satie, Robert Walser. L'articolo indaga cosa abbia rappresentato questo testo nel contesto artistico di Milano negli anni ottanta e quale sia stato, più in generale, l'impatto dell'insegmango di Corrado Levi su una generazione di studenti che includeva significativi artisti come Stefano Arienti e Amedeo Martegani.
Copyright (c) 2023 Giulia Zompa https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
I segni della crisi: l’estetica italiana e la stagione della semiotica
Non è facile ricostruire, né tanto meno giudicare gli sviluppi dell’estetica italiana nella seconda metà del novecento e, in particolare, tra gli anni settanta e gli anni ottanta. Tra le diverse discipline filosofiche, l’estetica è probabilmente quella che ha conosciuto la maggior apertura dei suoi margini epistemologici e il più ampio coinvolgimento di oggetti e di ambiti investigati. Ci si potrebbe aiutare, allora, instaurando e seguendo una sorta di parallelismo tra gli sviluppi dell’estetica italiana e gli sviluppi della filosofia italiana in generale, come questo articolo si propone.
Copyright (c) 2023 Simone Furlani https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Introduzione al secondo fascicolo di «Abitare il vento».
Copyright (c) 2023 Andrea Capriolo https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Recensione al catalogo delle mostre sull'Arte Povera del 2011 e alla riedizione di un'antologia a cura dello stesso Germano Celant.
Copyright (c) 2012 Palinsesti - Contemporary Italian Art On-line Journal
“Exhibiting Italian Art in the United States”
Tra gli ultimi studi di Raffaele Bedarida, Exhibiting Italian Art in the United States from Futurism to Arte Povera: “Like a Giant Screen” (Routledge, 2022) ricostruisce tramite case studies alcune vicende che hanno visto l’arte contemporanea italiana giocare un ruolo centrale all’interno di complesse e articolate relazioni tra Italia e Stati Uniti nel corso del Novecento. La presente intervista approfondisce con l’autore scelte metodologiche e aspetti salienti di uno studio che procede dal secondo Futurismo agli esordi dell’Arte Povera.
Copyright (c) 2025 Stella Cattaneo https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Dalla parte delle artiste. Appunti su militanze femministe e storia dell’arte a Roma
La militanza neo-femminista ha coinvolto negli anni settanta un numero molto alto di artiste, critiche e storiche dell’arte. Come in tutte le vicende storiche in cui le relazioni tra arte e impegno politico si stringono, e il rapporto tra attività e produzione artistica da una parte e società dall’altra viene in qualche misura ridefinito, si moltiplicano le questioni di metodo. Nelle pagine che seguono cercherò di ricostruire alcuni aspetti della stagione neo-femminista romana, senza eludere i nodi problematici che emergono via via che dal quadro generale si cerca di giungere a una visione di dettaglio e a una comprensione dei percorsi e delle opere delle singole artiste.
Copyright (c) 2022 Laura Iamurri https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Gli applausi li voglio comunque. Milli Gandini, un’artista femminista dal marxismo al PSI (1975-1990)
Milli Gandini (1941-2017) è stata un'artista che ha aderito alla Campagna per il Salario al Lavoro Domestico, cercando anzitutto di integrare nel proprio lavoro le intuizioni politiche e intellettuali che le militanti femministe avevano sviluppato. Questo studio è un iniziale tentativo di ripercorrere un decennio cruciale nell’itinerario creativo di Gandini, attigendo a materiali e documenti in parte inediti. In particolare, ci si concentrerà sulla fase che va dalla sua politicizzazione, che coincide con la fondazione di uno dei primi gruppi di artiste donne in Italia, il Gruppo Immagine, fino all’inaugurazione del Gallery Night, la cui vicenda attende ancora di essere esplorata. In un periodo che va pressappoco dal 1974 alla fine degli anni ottanta, Gandini ha vissuto alcuni degli snodi cruciali sia del movimento femminista che della politica italiana, e ciò si è costantemente riverberato nel suo lavoro.
Copyright (c) 2022 Jacopo Galimberti https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Il teatro degli anni settanta. Tre vite ribelli
L’aspetto più sorprendente del teatro degli anni settanta è la forza con cui ha parlato: la sua capacità di attrazione in quanto strumento di una ribellione a più facce, come vedremo, per chi lo faceva quanto per chi lo andava a vedere. Al di là dei grandi teatri, istituzionali o meno, ci fu un diffuso e indipendente volgersi al teatro di forze giovanili, prevalentemente di sinistra, in genere in forma spontanea, che dettero vita a un vero mondo parallelo. Le tre vite (Julia Varley, Sandro Lombardi, Luigi Calcaterra) che presento non possono restituirci uno spaccato articolato di quegli anni, ma per una volta delineano una sezione verticale. Sono ricordi, e hanno quindi tutti i problemi di una memoria legata alla propria giovinezza e ad anni tanto particolari. Non sono una campionatura, sono punti di vista del tutto parziali e personali, e solo tre, ma come storica del teatro rivendico l’importanza del racconto, e della dimensione biografica e personale.
Copyright (c) 2022 Mirella Schino https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Lo specchio scuro. Il video al CRT di Milano negli anni ottanta
L'articolo ripercorre l'attività del CRT, Centro di Ricerca per il Teatro, il quale vanta una prolifica serie di collaborazioni con alcuni dei più importanti maestri del teatro sperimentale e della danza moderna fra cui Yves Le Breton, Boris Polivka, Joseph Chaikin, Eugenio Barba, Pier’Alli, Bread and Puppets, Tadeuz Kantor, Robert Wilson, Living Theatre, Richard Foreman, Meredith Monk e Carolyn Carlson. Il Centro nasce a Milano nel 1974 a opera di Sisto Della Palma con l’obiettivo di documentare e promuovere il teatro di ricerca nazionale e internazionale, insediando la propria sala in una palestra annessa a un complesso scolastico di periferia in via Ulisse Dini.
Copyright (c) 2022 Gabriele Della Maddalena https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
ArcanaPop. Origine e sviluppo della controcultura musicale pop nei libri dell’Arcana editrice (1971-1979)
L'articolo ripercorre uno dei filoni editoriali della casa editrice Arcana, fondata da Fernanda Pivano e Raimondo Biffi nel 1971. Attraverso le sue pubblicazioni dedicate alla musica si affronta la ricezione della musica pop presso la controcultura italiana degli anni settanta del novecento.
Copyright (c) 2022 Andrea Capriolo https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Universo Alchimia: metafisica del quotidiano e intermedialità postmoderne
Tra la fine degli anni settanta e i primi ottanta, l’Italia è stata centro propulsore di una serie di attività artistiche ibride, interdisciplinari e intermediali, spesso di natura collettiva, la cui portata innovativa, seppure immediatamente avvertita da alcuni, comincia solo oggi ad essere riconosciuta come propriamente avanguardistica. Osservate da questo inquieto inizio del terzo decennio del XXI secolo, queste inclassificabili esperienze di convergenza sembrano non solo avere anticipato metodologie espressive e produttive interdisciplinari oggi consolidate, ma anche prefigurato scenari antropologici futuribili che sono diventati, di fatto, il nostro presente, con tutta la carica distopica che comportano.
Copyright (c) 2022 Francesco Spampinato https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Italian Culture As White Culture in Postwar United States
Gli italo-americani e gli immigrati di più recente arrivo negli Stati Uniti si trovarono di fronte a un ambiente politico e sociale in rapido mutamento nel decennio successivo alla Seconda guerra mondiale. Pur avendo i privilegi legali dei bianchi, gli italo-americani non beneficiarono appieno dei sistemi razzializzati esistenti negli Stati Uniti. Ciononostante, l’arte e la cultura provenienti dal loro paese d’origine o di ascendenza venivano utilizzate dagli Stati Uniti nella loro Guerra fredda culturale come rappresentazione della cultura “occidentale” bianca, contrapposta alla cultura “orientale” comunista dell’URSS. Mostre come Twentieth Century Italian Art al MoMA e Italy at Work: Her Renaissance in Design Today non solo aprirono i mercati statunitensi alla cultura materiale italiana, ma contribuirono anche ad instaurare un legame culturale tra gli Stati Uniti e il passato umanistico dell’Italia (questa narrazione era iniziata già prima della guerra con varie esposizioni di arte rinascimentale italiana). Il passaggio, nel dopoguerra, al sostegno dell’arte e del design moderni fu determinante per consolidare la posizione dell’America come leader culturale dell’“Occidente”. I fondi del Piano Marshall venivano impiegati, su piccola e grande scala, per finanziare esposizioni di arte e design italiani negli Stati Uniti subito dopo la Seconda guerra mondiale. Tali mostre non erano presentazioni neutre della cultura materiale italiana. Al contrario, proponevano l’Italia e la sua cultura come parte delle democrazie capitaliste dell’“Occidente” razzializzato e bianco. Come ha illustrato Said, ciò rendeva necessaria la costruzione di un “altro” orientale, non bianco. Sebbene gli italo-americani continuassero a essere solo marginalmente bianchi, l’arte e il design italiani si consolidarono come parte integrante della cultura “occidentale” bianca. Gli studi sull’impiego delle esposizioni nel secondo dopoguerra hanno già messo in luce il modo in cui gli attori politici cambiarono il modo in cui l’arte veniva contestualizzata sia da parte delle élite culturali sia del grande pubblico – dal lavoro pionieristico di Serge Guillbaut fino ai più recenti volumi di Nancy Jachec. Anche il recente libro di Raffaele Bedarida ha contribuito a contestualizzare il più ampio andamento dell’arte italiana nella cultura alta e popolare degli Stati Uniti. Inserendosi in questi discorsi, questo contributo intende approfondire come le esposizioni d’arte e design italiani negli Stati Uniti nel dopoguerra abbiano contribuito a rafforzare le prime concezioni americane della Guerra fredda riguardo la “bianchezza” e la cultura.
Copyright (c) 2025 Antje Gamble https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Archivi eretici. Storia e immaginazione nel lavoro di Elisabetta Benassi
Partendo dall'opera Empire l’articolo esamina l’interpretazione eterodossa, e anzi eretica, che Elisabetta Benassi ha fornito, si può dire sin dai suoi esordi intorno al 2000, del tema dell’“archivio”, ovvero una delle formazioni culturali intorno cui più si è andata concentrando la creazione artistica negli ultimi tre decenni. Una metodica, quella sua, che da un lato include via via nuove ipotesi di archivi potenziali e dall’altro mina la possibilità di una stabile tassonomia che di ogni archivio è l’implicita promessa. Per Benassi, l’archivio si mostra sempre come un precario, contraddittorio regime di visibilità, nel quale i materiali eterogenei di cui l’artista si appropria – oggetti trovati, dispositivi tecnologici, fotografie, prelievi iconografici, citazioni, rimandi storici – compongono un intreccio di allegorie in cui si mostra, come in filigrana, la lotta tra ordine ed entropia, tra l’umana aspirazione alla memoria, alla permanenza, e l’azione delle forze storiche, e non meno umane, che a quel desiderio oppongono caos e nulla.
Copyright (c) 2022 Stefano Chiodi https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Space Launch from the Laundry Room. Grazia Toderi’s Soap (1993)
A multidimensional analysis and contextualization of Grazia Toderi’s early video titled Soap (1993), this essay follows the artist’s journey as she explores the connections of everyday and cosmic spaces. Relating micro and macro, Toderi questions and reinvents common objects and assumptions, and then transfigures them into contemplative and sublime experiences through the decades of her practice. Not feeling weighed down by home and family responsibilities, she liberates herself through the creative freedom to investigate topics beyond the domestic realm. Her position is radically distant from that of feminist theorists and artists of the previous generation, whose positions are examined here in comparison to Toderi’s. Grazia Toderi, Biography. Born in Padua in 1963, she moved to Milan in 1992 after studying at Liceo Artistico and Accademia di Belle Arti in Bologna. She was one of the winners of the Golden Lion at the Venice Biennial in 1999. She is based in Milan and Turin. She has taken part in group exhibitions including the Biennial in Venice (1993, 1999, 2009), Istanbul (1997), Sydney (1998), Pusan (2000 and 2002), Pontevedra (2004), New Orleans (2011) Mechelen (2015). Her solo exhibitions include those at Frac Languedoc-Roussillon, Montpellier (1995), Casino Luxembourg, Luxembourg (1998), Castello di Rivoli, Torino (1998), Frac Bourgogne, Digione (1998), Museo Ludwig, Colonia (1999), De Appel Foundation, Amsterdam (1999), Fundaciò Joan Mirò, Barcellona (2002), Miami Art Museum, Miami (2006), PAC, Milano (2006), Museo Serralves, Oporto (2010), Hirshhorn Museum, Washington D.C. (2011), MAXXI, Roma (2012), John Curtin Gallery, Perth (2013), MIT Museum, Boston (2016), MART, Rovereto (2017).
Copyright (c) 2022 Silvia Bottinelli https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Fotografia e associazionismo femminile a Firenze nella prima metà degli anni ottanta: la Libreria delle donne e Fotostudio
Nella prima metà degli anni ottanta a Firenze, l’attività culturale di due centri di matrice femminile come la Libreria delle donne e Fotostudio, in particolare per quanto concerne l’utilizzo della fotografia, rappresenta un punto di partenza per riflettere più ampiamente sulle modalità in cui alcuni poli di promozione artistica si sono proposti, in un’ottica di sperimentalismo e di ricerca, come una valida alternativa all’interno di un contesto culturale fortemente istituzionalizzato. Seppur nelle specificità legate al contesto in cui risiedono, a Firenze la Libreria delle donne e Fotostudio mettono in campo una serie di proposte che si armonizzano, su un piano teorico e progettuale, con le istanze più rilevanti che il femminismo italiano sviluppa in questi anni. Dopo le rivolte di piazza (e di massa) che avevano caratterizzato il femminismo nel cuore del decennio precedente, al termine degli anni settanta e nei successivi anni ottanta la “svolta conservatrice” del movimento fa emergere l’esigenza di una trasformazione culturale che intende partire dall’istituzione di luoghi teorici e fisici di sapere condiviso; spazi in cui le riflessioni politiche vengano stimolate da un dibattito ricco e trasversale sui vari ambiti del discorso culturale e dell’espressione artistica, tra cui quello che riguarda un programma strutturato di eventi espositivi.
Copyright (c) 2022 Cristiana Sorrentino https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
«Sono rimasta sorpresa: nella piazza ho notato un albero fiorito». Notes on Mirella Bentivoglio’s Participation in Gubbio ’76
Conceived for the Biennale della Ceramica di Gubbio (Gubbio ’76) curated by art historian and critic Enrico Crispolti, Poesia in Piazza – this is the original title of the work later known as Poesia all’Albero – was an extemporaneous intervention proposed by visual poet and curator Mirella Bentivoglio (Klagenfurt, 1922-Rome, 2017) alongside her official intervention, entitled L’Ovo. This article, therefore, examines the way in which Poesia all’albero manifests Bentivoglio’s brief incursion into the contemporary phenomenon of Arte Ambientale, of which the curator of Gubbio’76, Crispolti, was one of the main theorists. It is organised in three consequential sections. The first part briefly introduces key aspects of Crispolti’s theorisation and the way in which his ideas translated into the curation of Gubbio ’76. Drawing on Crispolti’s premises, the second section explores how Bentivoglio reconfigured the twodimensional and three-dimensional works and articulated her ideas to respond to the urban fabric of Gubbio in her two contributions to the event. The final section of the article focuses on Poesia all’albero specifically.
Copyright (c) 2022 Elisabetta Rattalino https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Suzanne Santoro’s Towards new expression: An Interference in Carla Lonzi’s Theory of Sexuality and Aesthetics
In 1974, the Brooklyn-born artist Suzanne Santoro published, in Rome, a small volume of photography titled Per una espressione nuova / Towards new expression with the feminist publishing company Scritti di Rivolta Femminile, founded by Carla Lonzi and the women of the radical feminist group Rivolta Femminile in 1970. The artist’s book was animated by the question of how the representation of women’s bodies – especially the erasure of women’s genitals in the history of art – had conditioned women’s self-determination and their knowledge of their own sexuality. Towards new expression was in dialogue with Lonzi’s ideas about women’s sexuality and especially with her La donna clitoridea e la donna vaginale (The clitoridean woman and the vaginal woman, 1971) but nonetheless, as soon as it was printed and started to circulate, Lonzi expressed her disappointment and discomfort with it. This reaction, and the accusations it contains, are for me the starting point for a reflection on the relationship already investigated by many scholars between art and feminism in Lonzi’s thought.
Copyright (c) 2022 Sara Colantuono https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Questo testo ripercorre l'attività di Maria Lai (Ulassai, 1919 – Cardedu, 2013) individuandone specificità e contraddizioni interne, anche in relazione al sistema artistico da cui Lai ha volutamente cercato di prendere le distanze nel corso della sua vita. Attraverso un lavoro indiziale – poiché di indizi e non di storia spesso è fatta la storia delle donne – si analizzerà un percorso di ricerca intessuto di piccoli tentativi, a volte timidi, a volte volutamente appartati, di essere artista. Lo studio prende come punto di partenza e di riflessione un particolare biografico della sua infanzia su cui la critica non si è ancora soffermata: il suo essere "figlia d'anima" una particolare forma di affido familiare. Questa condizione viene analizzata alla luce del suo rapporto particolarmente complesso con il binomio io-collettività.
Copyright (c) 2022 Luigia Lonardelli https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Copyright (c) 2022 Silvia Bottinelli, Giorgia Gastaldon https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Sovvertire il domestico. Femminismo e mitologia del femminile nell’arte di Clemen Parrocchetti
This contribution focuses on the figure of Clemen Parrocchetti (1923-2016) and her activity from 1969 to 1989. In these two decade the artist’s work evolves from painting into a specific use of the textile medium where she combines the female imaginary to a feminist identity. Clemen Parrocchetti, in fact, subverts the sphere of domesticity to a new relationships between feminism and creativity. Moreover the experience of collective work with Gruppo Immagine up to the end of the ’70s and the begin of the ‘80s marks the transition through a "mythological" point of view. The activity of Clemen Parrocchetti will be re-read in this essay following the guidelines of a vision of art history that tends to dismantle the female stereotype within the inclusive writing processes of art history.
Copyright (c) 2020 Palinsesti - Contemporary Italian Art On-line Journal
“From Woman to Woman.” Exhibiting Genealogy – Carla Accardi’s Origine, 1976
This paper reconsiders the so far undervalued importance of Carla Accardi’s solo exhibition Origine, mounted in May 1976 at a women’s cooperative co-founded by the artist at Via Beato Angelico 18 in Rome. At its all but neutral location, I argue, the self-curated exhibition, encompassing a larger display of Accardi’s work, rendered visible the private and political entanglement of her artistic practice, significantly expanding its potential meaning. In engaging with the exhibition’s precarious documentation and critical coverage, I will demonstrate that on this occasion, rather than providing a conventional overview of stylistic developments, Accardi temporarily staged, in Foucault’s sense, a context of origin for her becoming in the present: as woman and artist.
From the immediate postwar period to the mid-1960s, the kitchen environment represents a social and cultural topos in Italy; as such it is influenced by gender stereotypes and embodies reflections and research developed by contemporaneous architects and by the renewed, or new, furniture industry. In a landscape tinged with the adhesion to or re-elaboration of the models offered by the European rationalist kitchen or the United States typologies, select women architects and interior designers experiment with different approaches, which hint at a different spatial and existential concept of the kitchen.
“We Communicate only with Women”: Italian Feminism, Women Artists and the Politics of Separatism
One of the most salient features of the 1970s Italian feminist movement is its radical critique of equality and the ensuing separatism that characterizes most of the groups that emerged at the beginning of the decade. Women’s collectives spread throughout the country in the wake of 1968, when it became clear that the various political organizations involved in the protests were unwilling to challenge traditional gender hierarchies and relations. Italian feminism is structurally bound to this radical attempt to claim its autonomy from the male dominated (and mostly Marxist oriented) organizations, in a time of unprecedented political unrest. Notwithstanding the significance of separatism for Italian feminism, few attempts have been made to look at its impact on women’s art. In this article, I will consider the works produced around 1975 by Carla Accardi, Suzanne Santoro and Marcella Campagnano in relation to their participation in women’s groups such as Rivolta Femminile in Rome and Collettivo di via Cherubini in Milan. The works I am interested in originated from within the experiences of the feminist movement and provide a unique opportunity to look at how a new set of creative practices could grow as part of a collective political project. For these artists, the women’s movement allowed for anunderstanding of the political implications of their exclusion from the art world, and for an active search for separate spaces to conduct their creative practices. However, separatism was not an easy choice, and for some of them it could also translate into a set of ambivalent strategies with respect to the mainstream art world. While based on different formats and media (installation, photography, artist book), these works substantiate the importance of the collective that was central to feminist politics. More specifically, they make direct or indirect reference to the practice of autocoscienza.
Copyright (c) 2020 Giovanna Zapperi https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0