La rivista Ticontre. Teoria Testo Traduzione (ISSN 2284-4473) nasce dall’esigenza di fornire una piattaforma di discussione aperta, che proponga una riflessione sul testo letterario allo stesso tempo innovativa e attenta agli elementi che compongono il centro delle tradizioni critiche dell’area europea e americana.
Introduzione al focus monografico su Antonella Anedda.
Sotto la lente: Antonella Anedda. Spazi, luoghi, paesaggi
Derechos de autor 2025 Claudia Crocco, Marco Villa https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
«Gli europei non hanno fortuna nei rapporti con i cinesi»
Il presente contributo indaga la ricezione di Goethe nell’opera saggistica e narrativa di Alfred Döblin. Muovendo dall’analisi di alcuni scritti autobiografici dello scrittore berlinese e dai saggi Goethe und Dostojewski e Wissen und Verändern! viene delineata la complessa evoluzione del suo rapporto con il Classicismo di Weimar e viene messo in luce l’influsso della morfologia goethiana sul pensiero di Döblin. Sulla base dello studio degli scritti poetologici, vengono poi mostrati i punti di contatto fra il concetto classico dell’autonomia delle parti e l’epica moderna concettualizzata da Döblin. Infine, tramite l’analisi della struttura e degli elementi intertestuali nel romanzo dell’esilio Amazonas, ci si concentra sulla lettura döbliniana del tema faustiano.
Derechos de autor 2025 Claudia Cippitelli https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Muovendo da una prospettiva interna alla storia dei generi letterari, il saggio approfondisce alcuni tra i compromessi siglati tra la poesia e il mondo della prosa. Mentre su un piano teoretico gli esiti per molti versi problematici dell’incontro sono ancora oggi testimoniati da un uso ambivalente dei termini «paesaggio» e «spazio», le esperienze più direttamente riconducibili al «classicismo lirico moderno» recano traccia di adeguamenti sintomatici di un conflitto non del tutto sanato. In entrambe le direzioni, l’opera di Anedda costituisce un punto d’osservazione privilegiato.
Derechos de autor 2025 Michela Davo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
«Il posto del paesaggio» nella poesia di Antonella Anedda
Questo articolo si propone di ricostruire le forme e le funzioni del paesaggio, inteso come spazio relazionale, nella poesia di Antonella Anedda. L’obiettivo è mostrare il ruolo strutturante di letture e referenti figurativi nella rappresentazione apparentemente in-mediata dell’incontro tra il soggetto e una porzione di natura in poesia. Una particolare attenzione è stata dedicata a due testi, Paesaggio (Dal balcone del corpo) e Esilii (Historiae), i quali consentono di illustrare come la meditazione sulla morte, sul corpo e sull’identità rientri, variamente declinata, nell’orbita del discorso sul paesaggio aneddiano.
Derechos de autor 2025 Emma Pavan https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
L’articolo analizza la relazione tra geografia, scrittura ed etica nell’opera di Antonella Anedda, adottando un approccio geocritico e geopoetico. Attraverso un close reading di testi in poesia e in prosa (in particolare Isolatria, Geografie, Notti di pace occidentale e Historiae), si evidenzia come mappe e confini non siano meri sfondi o temi, ma dispositivi formali e narrativi che articolano uno sguardo oscillante tra interno ed esterno, individuo e collettività, passato e presente. La mappa diventa mezzo di relazione tra sé e mondo, mentre il confine è continuamente rimesso in discussione. La scrittura di Anedda, ibrida per forma e prospettiva, costruisce uno spazio etico in cui la geografia si fonda su una rete di relazioni, includendo anche una riflessione sull’esperienza mediatica e sul rapporto tra esseri umani e ambiente.
Derechos de autor 2025 Martina Mileto https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Introduzione alla sezione monografica Memoria. Il presente del passato.
Sezione monografica: Memoria. Il presente del passato
Derechos de autor 2025 Daniele Giglioli, Francesca Lorandini, Elsa Rita Dos Santos, Pietro Taravacci https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La pièce Tanzcafé Treblinka di Werner Kofler, inscenata per la prima volta al teatro comunale di Klagenfurt il 12 maggio 2001, esplora memoria e oblio della Shoah in Austria. Il dramma è composto da due interventi che si susseguono senza lasciare spazio al dialogo. Nel primo, un anziano interprete (A) riferisce i suoi ricordi del nazionalsocialismo e della soluzione finale a un giovane (B). Nel secondo monologo B nega le informazioni che sono state riportate. Nello sviluppo della sua esposizione il personaggio sembra possedere conoscenze storiche, benché non abbia intenzione di ricordare gli eventi passati. Il titolo dell’opera allude alla biografia di Ernst Lerch, gestore nel dopoguerra di un’attività di famiglia a Klagenfurt e responsabile durante i primi anni Quaranta dello sterminio di massa nel Governatorato Generale. Richiama inoltre alla mente l’oblio misto a divertimento (Tanzcafé) e la memoria dei crimini nazisti (Treblinka). Werner Kofler’s play Tanzcafé Treblinka, premiered at the Klagenfurt Municipal Theatre on 12th May 2001, explores memory and oblivion of the Shoah in Austria. The drama consists of two speeches that follow one another without leaving room for dialogue. In the first, an elderly performer (A) recounts his remembrances of National Socialism and the Final Solution to a young man (B). In the second monologue, B denies the reported information. In developing his exposition, the character seems to possess historical knowledge, although he has no intention of remembering past events. The title of the work hints at Ernst Lerch’s biography, a post-war manager of a family business in Klagenfurt who was responsible for the mass extermination in the General Government during the early forties. Moreover, it calls to mind forgetfulness blended with entertainment (Tanzcafé) and memory of Nazi crimes (Treblinka).
Derechos de autor 2025 Daniele Robol https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
«There Were Always the Stories. And They Weren’t Just Stories, They Were the Truth»
Come preservare la memoria quando le evidenze storiche non ci sono più? È possibile ricostruire una storia stratificata a partire da pochi resti lasciati da una cultura in via d’estinzione? Davvero le pietre rosse esposte in un negozio di souvenir sono dotate di «memoria e potere», come afferma la poeta nativo-americana Joy Harjo in "New Orleans”? Attraverso l’analisi di poesie selezionate dalla raccolta Weaving Sundown in a Scarlet Light: 50 Poems for 50 Years (2023), il saggio interroga il rapporto tra memoria individuale, storie ancestrali e sfide contemporanee. Nelle culture orali tradizionali, come quella nativo-americana, è l’arte del raccontare storie che ha il nobile compito di recuperare, tramandare e preservare la memoria. Per combattere l’amnesia, frutto dell’annientamento e dell’alienazione culturale indotti dal colonialismo e da pratiche assimilative aggressive, non resta che mettersi in ascolto della terra, amplificare le storie in essa contenute e ritrasmetterle di generazione in generazione. Tali storie hanno un’importanza fondamentale per Harjo, non solo perché recuperano dalle viscere della terra una memoria sepolta da millenni, ma anche perché arricchiscono la storia ufficiale con un controcanto capace di interrompere la storia coloniale. Sarà dunque a partire dalla terra che in questo saggio si esplorerà il ruolo della memoria nella poesia di Harjo e più in generale nella poesia nativo-americana contemporanea. How can memory be preserved when historical evidence is no longer there? Is it really possible to reconstruct a multi-layered history starting from a few remains left by a culture in danger of extinction? Do the red stones displayed in a souvenir shop really have “memory and power,” as Native American poet Joy Harjo believes in “New Orleans”? By analyzing a selection of poems included in the collection Weaving Sundown in a Scarlet Light: 50 Poems for 50 Years (2023), the essay explores the relation between individual memory, tribal stories, and contemporary challenges. In traditional oral cultures, such as the Native American one, it is the art of telling stories that has the noble task of recovering, passing on, and preserving memory. In order to combat the cultural amnesia resulting from the annihilation and cultural alienation induced by colonialism and aggressive assimilative practices, it is towards the earth that one must turn. By listening to the stories contained in it, by amplifying them, and by passing them down to the next generation, Harjo recovers a memory buried in the bowels of the earth for millennia, while also interrupting and complementing official colonial historiography with alternative truths. With the earth as its focus, in this essay I will explore the role played by individual and collective memory in Harjo’s poetry and more in general in contemporary Native American poetry.
Derechos de autor 2025 Lisa Marchi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Lo scambio tra sapere geografico e critica letteraria ha riconosciuto negli ultimi anni un incremento in seguito al recente spatial turn. In particolar modo, a partire dagli anni Duemila numerosi testi narrativi si sono interessati alla rappresentazione dei luoghi della quotidianità e dei territori periferici. Il seguente contributo propone il termine “ecobiografia” ad identificare le narrazioni in prosa incentrate intorno ad uno o più luoghi dei quali vengono descritte le dinamiche tra società e ambiente, adottando uno sguardo equidistante tra umano e non-umano. Attraverso Pianura (2021) di Marco Belpoliti e Una voce dal profondo (2023) di Paolo Rumiz, l’analisi mira a mettere in luce le caratteristiche stilistiche e tematiche che conferiscono all’ecobiografia una funzione socio-territoriale attiva, che riconosce un significato – storico, culturale e fisico – ai luoghi e all’ambiente. The exchange between geographic knowledge and literary criticism has seen an increase in recent years following the recent spatial turn. In particular, since 2000s, numerous narrative texts have focused on the representation of everyday places and peripheral territories. This article suggests the term “ecobiography” to identify those texts whose narrative revolves around one or more places and in which the dynamics between society and nature are observed through a perspective that is halfway between the human and the non-human. Through Pianura (2021) by Marco Belpoliti and Una voce dal profondo (2023) by Paolo Rumiz, this analysis seeks to highlight the stylistic and thematic characteristics that give ecobiography an active socio-territorial function, recognising a historical, cultural and physical significance to places and the environment.
Derechos de autor 2025 Irene Cecchini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Laila Ripoll es una autora señalada del teatro español contemporáneo, que ha dedicado una parte importante de su obra al tema de la Memoria. Como el radioteatro Guernica, el último viaje, dramatización de un episodio de la Guerra Civil que se ha convertido en un símbolo universal. El texto fue emitido en 2006, con motivo del 25 aniversario del regreso del cuadro a España en 1981. La historia revive a través de la narración del Toro, la Yegua y el Gallo, que aparecen en el cuadro, cobran vida, toman la palabra e interactúan con Picasso y otros personajes. El artículo recoge los resultados de la investigación sobre las estrategias y las técnicas de dramatización del acontecimiento. Entre ellas, destacan la animación y antropomorfización de las figuras del cuadro, la presencia de los muertos vivientes –característicos del teatro de Ripoll–, como Picasso, sus parejas y el arquitecto Josep Lluís Sert, que encargó la obra al artista en nombre del Gobierno de la República española, y el papel de Guernica (acontecimiento, lugar y pintura) como depósito de Memoria. Laila Ripoll is an outstanding author of contemporary Spanish theatre, who has dedicated an important part of her work to the theme of Memory. Like the radiodrama Guernica, el ultimo viaje, a dramatisation of an episode of the Civil War that has become a universal symbol. The text was issued in 2006, on the occasion of the 25th anniversary of the painting's return to Spain in 1981. The story is brought to life by some of the figures of the painting, the Bull, the Mare and the Cockerel, who come to life, speak and interact with Picasso and other characters. The article summarises the results of the research on the strategies and techniques of dramatisation of the event. These include the animation and anthropomorphisation of the characters of the painting, the presence of the muertos vivientes, characteristic of Ripoll’s theatre, such as Picasso, his partners and the architect Josep Lluís Sert, who commissioned the work from the artist on behalf of the Government of the Spanish Republic, and the role of Guernica (the event, the place and the painting) as a repository of Memory.
Derechos de autor 2025 Veronica Orazi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
L’articolo indaga il legame tra identità, nostalgia e memoria culturale in Cronorifugio di Georgi Gospodinov. L’obiettivo dell’analisi è esaminare i modi in cui il romanzo rappresenta le dinamiche e i rischi connessi alla riemersione nostalgica del passato nel contesto della società europea contemporanea. Affiancando gli strumenti e le tesi dei cultural memory studies ai ferri del mestiere della teoria letteraria, il saggio si focalizza su due importanti componenti romanzesche: il carattere autofinzionale della scrittura e i “cronorifugi”, stanze del tempo che permettono di fare esperienza del passato secondo modalità simili all’immersione nei mondi della finzione letteraria. Particolare attenzione è posta alla funzione bifida della scrittura (auto)finzionale, mediatrice tendenziosa della memoria culturale e allo stesso tempo strumento autentico di costruzione dell’identità personale. The essay explores the relationship between identity, nostalgia, and cultural memory in Georgi Gospodinov’s Time Shelter. The analysis aims to reflect on how the novel portrays the dynamics and risks involved in reconfiguring the past within the context of contemporary European society. Combining literary theory and cultural memory studies, the paper examines two pivotal elements of the novel, namely the autofictional genre and “time shelters”—time rooms that allow individuals to experience the past as if immersing themselves in the fictional worlds of literature. Particular attention is given to the double, ambivalent nature of (auto)fictional writing as both a biased mediator of cultural memory and a genuine tool for constructing personal identity.
Derechos de autor 2025 Luca Diani https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Manuel Rivas (A Coruña 1957), figura di spicco della letteratura galega contemporanea, vanta una produzione che spazia dalla narrativa alla poesia, dal teatro alla prosa giornalistica. A man dos paíños (2000), l’opera oggetto del presente studio, si configura come un trittico composto da un racconto di finzione che dà il titolo al libro (A man dos paíños), un racconto fotografico (O álbum furtivo) e un racconto giornalistico (Os náufragos). La principale peculiarità dell’opera risiede nella scommessa letteraria ed estetica del ‘contrabbando di generi’, in una felice metafora coniata dall’autore, da sempre refrattario agli incasellamenti, per riferirsi alla fusione di poesia e prosa, realtà e finzione, codice verbale e codice iconico. Nel presente studio si osserverà come questa commistione di generi, insieme al ricco apparato paratestuale, sia funzionale alla trasmissione della memoria, principale filone tematico dell’opera, nonché alla creazione di uno sguardo condiviso tra il lettore e l’emigrante/naufrago. Manuel Rivas (A Coruña 1957) is one of the most prominent contemporary Galician authors. His production ranges from fiction to poetry, theater to journalistic prose. The present study focuses on A man dos paíños (2000), which is divided into three parts: a fictional story (after which the book is titled), a photographic story (O álbum furtivo), and a journalistic story (Os náufragos). The main peculiarity of the work lies in the literary and aesthetic wager of ‘genre smuggling’. The author, who has always been refractory to pigeonholing, uses this metaphor to refer to the fusion of poetry and prose, reality and fiction, text and image. In the present study we will observe how this mixing of genres and codes, along with the rich paratextual apparatus, is functional to the transmission of memory and the creation of a shared gaze between the reader and the emigrant/castaway.
Derechos de autor 2025 Chiara Albertazzi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Lo studio intende analizzare l’interazione tra i meccanismi del ricordo e la rappresentazione del paesaggio in Distintas formas de mirar el agua (2015). Nel romanzo di Julio Llamazares, approdo di una ricerca estetica, attraversata da costanti tematiche e formali in cui la memoria assume un ruolo decisivo, il vincolo sentimentale intessuto con lo scenario naturale se da un lato si configura come la simbolica riparazione del dolore legato a una perdita, dall’altro consolida il valore attribuito alle storie di piccoli gruppi familiari: ad esse è demandato il compito di narrare il passato recente di una patria tradita, in cui l’alterazione degli equilibri naturali messa in campo dalle riforme economico-strutturali, promosse dal governo franchista, è solo una parte della violenza già subita dalla terra spagnola durante la Guerra Civile. This study focuses on an analysis of the interaction between the mechanisms of memory and the representation of landscape in Julio Llamazares’s Distintas formas de mirar el agua (2015). In this novel – which could be considered the culmination of a poetics in which memory plays a decisive role in its thematic and formal constants – the sentimental bond interwoven with the natural setting is configured, above all, as a form of symbolic reparation for the pain produced by a loss. Likewise, the author gives a structural value to the stories of small family groups, who are entrusted with the task of narrating the recent past of a betrayed homeland, where the alteration of the natural balance, caused by the economic crisis and the structural reforms promoted by the Franco government, represents only a part of the violence already suffered by the Spanish land during the Civil War.
Derechos de autor 2025 Ida Grasso https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La escritura del luto paterno y la reconstrucción de la memoria de vida
El objetivo del presente trabajo se sustancia en el análisis de dos ejemplos de memorias de duelo contemporáneas: Tiempo de vida (2010), de Marcos Giralt Torrente y No entres dócilmente en la noche quieta (2020), de Ricardo Menéndez Salmón. En la primera parte del trabajo, se contextualiza el interés que presenta este género literario en la actualidad y se razona sobre su validez como alternativa a la presentación homogénea de la intimidad en la esfera pública. A continuación, a partir de una reflexión sobre el pacto autobiográfico, se razona sobre la dimensión metaliteraria de estas obras. En particular, ambos autores cifran la dificultad de la escritura del duelo en la tensión entre la vivencia personal indecible y la necesidad de enmarcarla en una narrativa pública. En la segunda parte del artículo, se intenta reconocer la narrativa pública dominante en ambas obras –a saber, la aceptación de legado del padre en una época en la que ha perdido su valor simbólico– y los medios que utilizan ambos autores para su presentación y superación. This paper aims to analyze two examples of contemporary mourning memories: Tiempo de vida (2010), by Marcos Giralt Torrente and No entres dócilmente en la noche quieta (2020), by Ricardo Menéndez Salmón. Firstly, the importance of this subgenre is contextualized: it’s a valid alternative to the homogeneous presentation of intimacy in the public sphere. Next, from the concept of autobiographical pact, we reflect on the metaliterary dimension of these works. In particular, both authors consider that the difficulty of writing on mourning it’s found in the tension between the unspeakable personal experience and the need to frame it in a public narrative. In the second part of the paper, an attempt is made to recognize the dominant public narrative in both works –namely, the acceptance of the father's legacy in a time in which it has lost its symbolic value– and the means that both authors use for its presentation and improvement.
Derechos de autor 2025 Carlos Frühbeck Moreno https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Il Portogallo come «passato che non passa»
La Tetralogia lusitana di Almeida Faria si costituisce come percorso erratico tra paesaggi e immaginari dell’identità culturale portoghese. Obiettivo di questo articolo è osservare attraverso le categorie della memoria culturale e dell’oblio la problematizzazione di queste coordinate nella saga e soprattutto nei tre romanzi successivi al 1974. Tematizzando la decadenza e i conflitti generazionali di una famiglia di latifondisti dell’Alentejo a cavallo della Rivoluzione dei Garofani, si osserva la centralità della rielaborazione di narrazioni e mitologie del passato nel tentativo di dare nuove basi al processo di autognosia nazionale. The Lusitanian Tetralogy by Almeida Faria represents an erratic journey through the landscapes and imaginaries of Portuguese cultural identity. The objective of this article is to examine the problematisation of these coordinates in the saga and especially in the three novels published after 1974 through the lens of cultural memory and oblivion. The novels address themes of decadence and intergenerational conflict within a family of landowners in the Alentejo region at the time of the Carnation Revolution. This paper aims to observe the process of reworking narratives and mythologies from the past as an important element in the attempt to provide new foundations for the process of national self-reflection.
Derechos de autor 2025 Eugenio Lucotti https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Sul buon uso della memoria in Antoine Volodine
L’articolo intende mostrare la centralità della dialettica tra memoria e oblio all’interno della letteratura post-esotica creata da Antoine Volodine nel corso degli ultimi quarant’anni. Grazie all’analisi di varie opere, tale letteratura viene interpretata come tentativo di rielaborare la fine dei movimenti di emancipazione di matrice comunista e di creare il surrogato di un’azione politica ormai divenuta impossibile: nascendo dall’impraticabilità del presente con il fine di ricostruire le condizioni di possibilità di un’azione futura, essa presenta un carattere transitorio e subordinato, funzionale alla trasformazione della malinconia per un mondo perduto in lutto, e quindi nuova vita. The article aims to show the dialectic between remembering and forgetting within the post-exotic literature created by Antoine Volodine over the last forty years. Through the analysis of various works, this literature is interpreted as an attempt to re-elaborate the end of communist-oriented emancipation movements and to create the surrogate of a political action that has now become impossible: arising from the impracticability of the present with the aim of reconstructing the conditions of possibility for action in the future, it presents a transitory and subordinate character, functional to the transformation of melancholy into mourning, and therefore new life.
Derechos de autor 2025 Emiliano Zanelli https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Multiperspective Fictions of Memory and the Implicated Narrator
Drawing on research at the intersection of memory studies and narrative theory, this article explores multiperspectivity as a storytelling mode particularly well-suited to engaging with representations of collective memory in contemporary fiction. While often celebrated as a narrative strategy that fosters perspective-awareness and enables counter-narrativity, I argue that multiperspective storytelling must move beyond simplistic dichotomies to effectively convey a multidirectional understanding of collective memory. Building on concepts such as postmemory and the implicated subject, I then introduce the notion of pseudo-multiperspectivity to examine both the potential and risks inherent in the proliferation of characters’ perspectives and memories. Prendendo le mosse dall’intersezione di memory studies e teoria della narrazione, l’articolo esamina il multiprospettivismo come strategia narrativa particolarmente adatta ad affrontare le complessità della memoria collettiva nella narrativa contemporanea. Sebbene il multiprospettivismo sia spesso considerato come una strategia formale in grado di contrastare forme narrative dominanti, il contributo cerca di mostrare come le narrazioni multiprospettiche debbano andare oltre facili dicotomie per offrire una comprensione multidirezionale della memoria collettiva. Prendendo ispirazione da concetti quali post-memoria e soggetto implicato, propongo quindi la nozione di pseudo-multiprospettivismo per esplorare le potenzialità e i rischi della moltiplicazione delle prospettive e dei ricordi dei personaggi finzionali.
Derechos de autor 2025 Gabriele D’Amato https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Modernismo letterario e pensiero antidigitale nella filosofia di Byung-Chul Han
Il filosofo contemporaneo coreano-tedesco Byung-Chul Han ha sviluppato negli ultimi anni una severa e dura analisi delle tecnologie digitali, valutate in modo estremamente critico nella loro essenza e nel loro impiego di massa, che innesca comportamenti psicologico-sociali estremamente negativi. In particolare, il discorso di Han si focalizza sull’idea di perdita di mondo; infatti, il digitale annulla il contatto con l’esterno e con le cose, non fa entrare in rapporto con la fisicità oggettuale, con il suo peso, il suo corpo e la sua consistenza contrappositiva. L’articolo si propone di analizzare la rilevante presenza nelle opere del filosofo della grande letteratura modernista novecentesca (soprattutto Kafka, Musil, Proust) e del pensiero coevo (W. Benjamin). Nelle opere moderniste si pongono situazioni fondamentali, a partire dalla non conoscibilità del mondo, dalla sua non disponibilità a una rapida e certa decodifica, che in quei testi sono portatrici di problematicità e che tuttavia rimandano, considerate con occhio contemporaneo, a un mondo in cui tali esperienze comunque sono fertilmente attive: traumatiche e destabilizzanti, cariche di resistenza o di uno scacco ma comunque presenti e operanti; quelle esperienze, pur nella loro negatività – anzi proprio per questa – sono dati psicologici ed epistemologici che oggi si sono persi.
Derechos de autor 2025 Andrea Rondini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Tempi di percorrenza di “Via del Popolo”
Il contributo intende analizzare la pièce teatrale Via del Popolo, opera autobiografica del drammaturgo e regista Saverio La Ruina ambientata nella strada omonima della cittadina di Castrovillari, luogo dell’infanzia dell’autore. Nell’opera la memoria emerge potentemente sia come tema – la memoria di un tempo privato e familiare che si intreccia con il tempo sociale, collettivo, storico – sia come pratica di costruzione della drammaturgia da parte dell’autore. Attraverso una contemporanea ars memoriae, che rimanda curiosamente ai precetti degli antichi trattati di mnemotecnica, La Ruina trasforma una piccola strada di paese in uno spazio mnemonico e scenico, dove rivivono figure e consuetudini locali scomparse, storie intime e comunitarie. The paper focuses on the pièce Via del Popolo, an autobiographical work by playwright and director Saverio La Ruina, set on the eponymous street in Castrovillari, the author’s hometown and the place of his childhood. In the play, memory emerges prominently both as a theme – intertwining private and familial recollections with collective, social, and historical time – and as a method of dramaturgical construction. Employing a contemporary ars memoriae, evocative of the principles detailed in ancient mnemotechnical treatises, La Ruina transforms a small village street into a mnemonic and scenic space where lost local figures, customs, and both intimate and communal stories are brought back to life.
Derechos de autor 2025 Angela Albanese https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Memorie rivisitate nella poesia di Ana Luísa Amaral
Con la metafora delle sale delle visite, la poetessa portoghese Ana Luísa Amaral presenta una concezione del ricordo e della rivisitazione, sia personale che culturale, che riduce la distanza tra vita vissuta e memoria, individuale e collettiva, abbracciando la coesistenza e la coabitazione dei tempi. In entrambi gli ambiti – personale e culturale – si compie un’operazione che possiamo definire, riprendendo le parole della stessa poetessa, di inverso o rovescio. La rivisitazione culturale, poetica o storiografica, non si limita a essere un semplice retelling di ciò che è già noto, ma diventa una riscrittura che colloca l’atto di ricordare in una dimensione intima, capovolgendo le prospettive tradizionali della memoria. Questo rovesciamento della memoria tradizionale apre la strada a una visione culturale e storiografica più inclusiva, capace di intrecciare il vissuto privato con il ricordo collettivo. La metafora delle sale delle visite sintetizza con efficacia la complessità di questo approccio, radicato in un equilibrio tra etica, libertà e intimità nel ricordare. With the metaphor of the visiting rooms, Portuguese poet Ana Luísa Amaral presents a conception of memory and revisitation, both personal and cultural, that reduces the distance between lived life and memory, whether individual or collective, embracing the coexistence and overlap of different times. In both realms—personal and cultural—a process takes place that we can define, borrowing the poet’s own terms, as one of inversion or reversal. Cultural, poetic, or historiographic revisitation is not merely a retelling of what is already known but becomes a rewriting that places the act of remembering within an intimate dimension, overturning traditional perspectives on memory. This reversal of traditional memory opens the way to a more inclusive cultural and historiographic vision, one that intertwines individual experiences with collective memory. The metaphor of the visiting rooms effectively captures the complexity of this approach, rooted in a balance between ethics, freedom, and intimacy in the act of remembering.
Derechos de autor 2025 Elsa Rita dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La ricezione delle poesie di Giuseppe Ungaretti nei paesi di lingua tedesca implica, da parte dei traduttori, uno sforzo doppio: mantenere le immagini surreali del poeta e, allo stesso tempo, l’elevatissima ambiguità dal punto di vista semantico. La traduzione in una lingua come il tedesco, inoltre, implica che il materiale linguistico che compone i testi risponda a norme diverse per quanto riguarda soprattutto sintassi, morfologia e formazione di parola. I testi poetici di Ungaretti, soprattutto nei primi decenni di ricezione nell’area di lingua tedesca (e precisamente dagli anni Trenta fino all’inizio degli anni Sessanta), vengono tradotti singolarmente sulle pagine di molte riviste e antologie, «reinterpretati» da numerose figure di intellettuali, cultori della letteratura italiana e lettori illustri. Dagli anni Sessanta in poi, il già corposo numero di traduttori di Ungaretti si arricchisce includendo personaggi di spicco della letteratura di lingua tedesca come Ingeborg Bachmann, Paul Celan, Hans Magnus Enzensberger e Hilde Domin. Questo continuo negoziato (che ha esiti singolari tanto prima quanto dopo lo «spartiacque» costituito dall’inizio degli anni Sessanta) determina la fissazione di punti di riferimento che possono essere ora letterario-culturali, ora prettamente linguistici. Proprio in relazione a ciascuno di questi punti di riferimento, ogni traduttore di Ungaretti decide di «adattare» o «disadattare» il testo tedesco rispetto all’originale. Il contributo mira a individuare gli aspetti linguistici (in termini di semantica, metrica, sintassi, morfologia, produttività, lessico) in cui avvengono tanto gli adattamenti quanto i disadattamenti.
Derechos de autor 2025 Giovanni Giri https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Giulio Mozzi e la realtà “avvenuta-non-avvenuta”
In questo contributo viene esaminata l’opera letteraria di Giulio Mozzi, a partire dai primi racconti per arrivare a Le ripetizioni (2021). Impiegando la categoria del weird in senso ampio, sulla scorta delle riflessioni di Mark Fisher e altri, si evidenzia la costante eversione di Mozzi rispetto alle categorie del “realistico” e del “fittizio”, nonché la mescolanza di generi e registri in tutti i suoi scritti. Per mettere a fuoco i temi principali di questa produzione, che comprende racconti, saggi, poesie ecc., vengono esaminati alcuni testi-chiave, in particolare la raccolta “poetica” Il culto dei morti nell’Italia contemporanea (2000 e 2018) e quella di racconti Il male naturale (1998 e 2011): in esse emergono personaggi (Mario, Bianca, Santiago…) e situazioni, spesso di statuto incerto (real-fittizie), che saranno poi riprese e completate nel romanzo Le ripetizioni, che allude sin dal titolo a un’opera di Kierkegaard nota in Italia come La ripetizione (1843). A esso Mozzi ha lavorato, con lunghe interruzioni, per oltre vent’anni, e ha proposto alla fine un montaggio di scene senza un preciso ordine cronologico e con un effetto complessivo decisamente straniante. Molti i modelli segnalati, dalle opere del Nouveau Roman sino al film Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004), ma è soprattutto sull’esito della narrazione che si concentra l’analisi. Nell’insieme, questo testo ma anche molti altri di Mozzi pongono il problema dei modi per raggiungere un effettivo ‘realismo’ adatto ai nostri tempi, nel quale una notevole componente fittizia e weird si innesta quasi di necessità e comunque senza fratture.
Derechos de autor 2025 Alberto Casadei https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Il contributo indaga le strategie fototestuali adottate da Benedetta Tobagi ne La Resistenza delle donne (Einaudi, 2022), opera ibrida che, attraverso la compresenza dialogica di codice iconico e scrittura saggistico-narrativa, riconfigura il discorso storico sulla Resistenza femminile. L’analisi si fonda su una doppia cornice teorica: da un lato, la cultura visuale e la teoria del fototesto; dall’altro, la riflessione sul saggio come forma di scrittura liminale. Attraverso una struttura per montaggio, l’intreccio di fonti memoriali, orali e letterarie, e la postura dell’autrice-narratrice, l’opera restituisce una memoria plurivoca e controegemonica. Il fototesto si propone così come dispositivo critico capace di ridefinire il rapporto tra testimonianza e rappresentazione, tra visibile e dicibile, in una prospettiva intermediale che interroga la genealogia stessa del narrare storico.
Derechos de autor 2025 Caterina Miracle Bragantini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
L’architettura nell’opera di Francesco Pecoraro
Dopo decenni di studio e di esercizio dell’architettura, Francesco Pecoraro esordisce a sessant’anni con i racconti di Dove credi di andare (2007): in quel momento lavora come urbanista per il Comune di Roma, dove aveva precedentemente ricoperto il ruolo di architetto. Sulla base della formazione e dell’esperienza professionale, l’articolo propone lo studio dei rapporti di parentela tra architettura e scrittura nell’opera di Francesco Pecoraro, soffermandosi soprattutto sui criteri estetici e sui dispositivi formali alla base della composizione delle opere, sui punti di contatto tra tessuto urbano e testo scritto, sui modi di intendere lo spazio fisico e lo spazio letterario. Il lavoro infine mira a far emergere l’intima concezione spaziale e a delineare una certa logica compositiva, un’ars aedificandi, attraverso la quale poter comprendere più nel profondo le forme e i significati dell’opera di Pecoraro.
Derechos de autor 2025 Nicolò Cudini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Virginia Woolf and Dostoevsky’s «Great Dialogue»
This paper presents a reading of Unwritten Novel by Virginia Woolf as an experimental narrative answer to her encounter with what Mikhail Bakhtin has called Dostoevsky’s dialogism. It thus contributes to a better understanding of cross-cultural influence, interaction and communication between geographically and temporally distant worlds. Building on recent studies on the cultural contacts between British Modernism and Russian literature such as Rebecca Beasley’s Russomania (2020), this paper analyses Woolf’s narrative as a dialogic incorporation of Russian elements into her modernist poetics, achieved through the act of critical reading and translation of Fyodor Dostoevsky’s works. Drawing on the Bakhtinian idea that dialogue is the essential nature of the Russian writer’s narrative, I will show how in An Unwritten Novel Woolf takes on Dostoevsky’s dialogism exactly by initiating a dialogue between her narrative creative process and Dostoevsky’s writing. I will show how she incorporates and answers to the dialogical nature of Dostoevsky’s work through a narration based entirely on the imaginary dialogue between the narrator and the other characters, between the narrator and the readers and finally between Woolf herself and her critical reading of Dostoevsky. In this way, I will argue, the narrative mediation constructed in the short story becomes Woolf’s testing ground for her dialogic rewriting of Russian literature.
Derechos de autor 2025 Letizia Dolcini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Lo studio analizza come il romanzo ellenistico Le avventure pastorali di Dafni e Cloe di Longo Sofista (III sec.) abbia influenzato il ciclo poetico Kuranty ljubvi (1910) di Michail Kuzmin, figura centrale del simbolismo russo novecentesco. Per Kuzmin, l’antichità classica rappresentava una fonte di libertà espressiva. Il suo ciclo pastorale, organizzato in quattro sezioni stagionali, fonde armonicamente poesia, musica e arti visive, riflettendo la sua posizione di rilievo nella cultura simbolista e la collaborazione con intellettuali come Vjačeslav Ivanov e Aleksandr Blok. L’analisi comparativa rivela significativi parallelismi tra le opere. Entrambe raffigurano l’iniziazione amorosa di giovani adolescenti sotto la guida di figure mitologiche, conferiscono alla musica e alla danza il ruolo di veicoli privilegiati dell’espressione emotiva, e presentano una struttura narrativa frammentaria simile a un mosaico di scene interconnesse. L’influenza di Longo appare evidente anche nella scelta del nome “Cloe” per uno dei personaggi cardine di Kuranty ljubvi e nell’impostazione generale del racconto. La dimensione interdisciplinare costituisce il nucleo della ricerca: come Longo definisce la propria opera a partire da un affresco, Kuzmin integra poesia, musica (da lui composta) e arti visive (illustrate da S. Sudejkin e N. Feofilaktov), dimostrando come un modello classico possa rigenerarsi attraverso interpretazioni creative.
Derechos de autor 2025 Alessandra Elisa Visinoni https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Il presente studio si propone di partire dalle diverse elaborazioni critiche della metabiografia per esaminare le peculiarità della non-fiction metabiografica. Questo genere paradossale mina ogni progetto biografico, riorientando la sua quête. La non-fiction metabiografica si presenta come un sottogenere fortemente speculare, incentrato su una domanda più profonda: cosa si cela alla base di un’esistenza autenticamente dedita all’arte e alla scienza? This study aims to reevaluate the diverse critical interpretations of metabiography in order to examine the distinctive characteristics of non-fiction metabiography. This paradoxical genre challenges traditional biographical endeavors by shifting their central quest. Metabiographical nonfiction is characterized as a deeply reflective subgenre, focused on a fundamental question: What constitutes the essence of a life genuinely committed to art and science?
Derechos de autor 2025 Marine Aubry-Morici https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Il presente contributo è volto ad analizzare parte della produzione poetica della germanista e comparatista Lea Ritter Santini (1928-2008), a partire dalla raccolta poetica pubblicata da quest’ultima nel 1986 sulla rivista tedesca «Akzente», intitolata Fremdenschein e mai tradotta in italiano, se non in via amicale e ufficiosa dalla scrittrice Fabrizia Ramondino. Nel tentare di restituire un’analisi tematica di Fremdenschein, si farà riferimento al genere della poesia dell’esilio e si mostrerà come la silloge di Lea Ritter Santini si inserisca a pieno titolo in quest’ultima, nel suo dare parola all’esperienza dello sradicamento e della rinegoziazione continua di sé tra i confini di uno spazio e di una storia dissestati. Si tenterà inoltre di mettere in luce le tracce, disseminate da Lea Ritter Santini nella sua poesia sotto forma di figure e tipi, del lavoro sulle letterature, e soprattutto sulla letteratura tedesca e italiana, da lei condotto in ambito accademico; tra queste verrà isolata soprattutto la figura ebraica dello Schlemihl, ripresa da Adelbert von Chamisso, Rahel Varnhagen e Hannah Arendt e posta dall’accademica al centro della sua poesia, come metafora elettiva del vivere sul margine tra i mondi e le lingue. This contribution aims to analyse part of the poetic production of the Germanist and comparative scholar Lea Ritter Santini (1928-2008), starting with the collection of poems she published in 1986 in the German magazine «Akzente», entitled Fremdenschein and never translated into Italian, except unofficially and amicably by the writer Fabrizia Ramondino. In an attempt to provide a thematic analysis of Fremdenschein, reference will be made to the genre of the poetry of exile, and it will be shown how Lea Ritter Santini’s collection fits right into the latter, in its expression of the experience of uprooting and the continual renegotiation of the self within the confines of a disrupted space and history. An attempt will also be made to bring to light the traces, disseminated by Lea Ritter Santini in her poetry in the form of figures and types, of the work on literature, and especially on German and Italian literature, which she carried out in the academic sphere; among these, the Jewish figure of the Schlemihl will be singled out in particular, which was adopted by Adelbert von Chamisso, Rahel Varnhagen and Hannah Arendt and placed by the academic at the centre of her poetry, as an elective metaphor for living on the margin between worlds and languages.
Derechos de autor 2024 Chiara Maciocci https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Risonanze batailliane negli esordi di Dario Bellezza
L’articolo propone uno studio delle traduzioni italiane di Historie de l’œil e Madame Edwarda di Georges Bataille realizzate da Dario Bellezza nel 1969 e nel 1972, e la loro messa in rapporto alle pubblicazioni d’esordio di quest’ultimo – risalenti allo stesso periodo. L’opera di Bataille costituisce infatti, per il ‘primo’ Bellezza, un termine di raffronto fondamentale nella costituzione della sua poetica e della sua estetica. Nell’ambito dell’analisi testuale, adottando un approccio ermeneutico parimenti filologico e comparativo, tale assunto viene confermato dalla rilevazione di numerosi punti di contatto interdiscorsivo e intertestuale tra i testi dei due autori. Con particolare riferimento al primo romanzo (L’innocenza, 1970) e alla prima raccolta poetica (Invettive e licenze, 1971) di Bellezza, e ai due volumi da lui tradotti, lo scopo dell’articolo è offrire una ricognizione su tali momenti di relazione, e metterne in luce l’importanza. The essay proposes a comparative study focused on the Italian translations of Historie de l’œil and Madame Edwarda by Georges Bataille, made by Dario Bellezza in 1969 and 1972, and his debut works – which date back to the same period. Bataille’s literary work represents a crucial point of reference in the formation of Bellezza’s poetics and aesthetics. By adopting a hermeneutic approach that is both philological and comparative, this analysis confirms the assumption through the identification of numerous interdiscursive and intertextual points of contact between the texts of the two authors. Focusing on Bellezza’s first novel (L’innocenza, 1970), his first poetry collection (Invettive e licenze, 1971), and the two volumes he translated, the article aims to explore these connections and highlight their significance.
Derechos de autor 2025 Stefano Bottero https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Nel 1880, sulla rivista tedesca «Zeitschrift für deutsches Altertum und deutsche Literatur», viene pubblicato postumo da Gustav Hinrichs un saggio inedito del giovane Karl Lachmann, risalente al 1819 (III. Lachmann über Petrarca, pp. 361-373.). Nel saggio, il filologo offre la traduzione – e, in cinque casi, un breve commento – di dodici sonetti del Canzoniere, due dei quali (La gola, e ’l sonno, e l’oziose piume e Mai non vedranno le mie luci asciutte) costituiscono le risposte rispettivamente a Io vorrei pur drizzar queste mie piume, attribuito a Giustina Levi-Perotti, e Se le parti del corpo mio distrutte, di Giacomo Colonna. Oltre che dimostrare la particolare cura del Lachmann nelle vesti di traduttore di Petrarca, il saggio è di grande interesse anche per la presenza di un sonetto di dubbia autenticità, il testo Io vorrei pur drizzar queste mie piume, che lo studioso definisce una falsificazione cinquecentesca, basando la propria analisi su argomentazioni di tipo metrico. Anche di questo falso sonetto, Lachmann offre una propria traduzione in tedesco, contribuendo in questo modo alla sua circolazione in Germania. Sebbene esista una recensione di Emilio Teza («Rivista critica della letteratura italiana», I, 1884), il saggio è stato del tutto dimenticato. La sua riedizione in italiano rappresenterebbe, dunque, il vero e proprio recupero di un lavoro giovanile, nel quale non sorprende ritrovare in nuce quelle capacità di analisi e di studio dei testi che caratterizzeranno i successivi lavori filologici di Lachmann. In 1880, the German magazine «Zeitschrift für deutsches Altertum und deutsche Literatur» published posthumously an unpublished essay by the young Karl Lachmann, edited by Gustav Hinrichs, dating back to 1819 (III. Lachmann über Petrarca, pp. 361-373). In the essay, the philologist provides translations—and, in five cases, brief comments—on twelve sonnets from the Canzoniere, two of which (“La gola, e ’l sonno, e l’oziose piume” and “Mai non vedranno le mie luci asciutte”) serve as responses to “Io vorrei pur drizzar queste mie piume,” attributed to Giustina Levi-Perotti, and “Se le parti del corpo mio distrutte,” by Giacomo Colonna. Aside from demonstrating Lachmann’s particular care as a translator of Petrarch, the essay is also of great interest due to the presence of a sonnet of dubious authenticity, the text “Io vorrei pur drizzar queste mie piume,” which the scholar defines as a sixteenth-century forgery, basing his analysis on metrical arguments. Lachmann also provides his own German translation of this false sonnet, thereby contributing to its circulation in Germany. Although there exists a review by Emilio Teza («Rivista critica della letteratura italiana» I, 1884), the essay has been entirely forgotten. Its reissue in Italian would thus represent a true recovery of a youthful work, in which it is not surprising to find the seeds of the analytical and textual study skills that would characterize Lachmann’s subsequent philological work.
Derechos de autor 2025 Karl Lachmann; Alessia Serluca; Giorgia Voi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0